La célébrité s’étale dans la presse people avec son lot de clichés volés donnant à voir les stars dans la banalité de leur quotidien. Ces photos, le duo les détournent et les cumulent pour mieux se jouer des codes véhiculés par les vedettes. Un travail réuni dans leur ouvrage « Paparazzi ». Ils se souviennent que c’est dans une laverie parisienne, un jour de 2011, dans le ronronnement des lave-linge, que tout a commencé. Élise Mazac (surnom : Mazaccio) et Robert Drowilal feuillettent des magazines people qui traînent. « C’était l’époque où Starbucks n’avait pas encore autant essaimé en France, se souvient Élise. Et on se demandait pourquoi, sur toutes les images qu’on voyait, les stars étaient prises en photo par des paparazzis avec ce même gobelet en carton entre les mains. » Ils commencent à rassembler des images de célébrités dans la rue avec leur macchiato ou leur latte : l’acteur Ben Affleck, les actrices Natalie Portman, Halle Berry, Ellen Pompeo de Grey’s Anatomy et Marcia Cross de Desperate Housewives, la pop star Hilary Duff... Et les superposent sur un collage avec, en arrière-plan, une avenue new-yorkaise. Les vedettes se voient réduites à une condition banale, à la merci de leur dose de caféine et de sucre, et tournées en ridicule, tant elles semblent jouer, «performer », dit Robert. C’est là la première œuvre de Paparazzi, une série aujourd’hui publiée dans un livre qui en rassemble une vingtaine : les stars qui font leurs courses, les stars qui se prennent en selfie, les stars à moto, à la plage, ivres, enceintes, qui s’embrassent... Les figures impénétrables des affiches de films sont ici ramenées au trivial (promenade du chien faisant ses besoins) ou au moutonnier (port de la même parka Canada Goose, pratique du yoga et du golf). Dans une sorte de quart d’heure warholien inversé, les stars sont saisies dans des gestes banals, comme pousser un chariot de course où s’entassent des rouleaux de papier toilette.
   Si l’image paparazzée a été ennoblie ces dernières années – des signatures de la discipline ont déjà été exposées, comme Jean Pigozzi, dans diverses galeries, ou Pascal Rostain et Bruno Mouron au Centre Pompidou- Metz en 2014 dans l’accrochage « Paparazzi ! Photographes, stars et artistes » –, le duo Mazaccio & Drowilal pousse l’exercice en s’appropriant ces images et en les réagençant. Ils avancent un néologisme pour synthétiser leur démarche : «collimages».
   Les deux se sont rencontrés à Paris après des études d’art. Lui a grandi à Rodez, la préfecture de l’Aveyron ; elle, à 60 kilomètres de là, à Villefranche-de-Rouergue, une sous- préfecture du même département où ils vivent aujourd’hui, ayant fait d’une ancienne menuiserie leur vaste atelier. Enfants de la seconde moitié des années 1980, ils ont façonné leur culture dans cette zone rurale, sans grand musée aux alentours, et peu de films d’art et essai. «On a au contraire vécu une perfusion de “soft power” américain, à travers les séries X-Files, Code Lisa, les clips sur M6, et plus tard, les films piratés sur e-Mule.»
   Ils pistent sur Instagram ou sur des sites people comme TMZ des clichés qu’ils détourent sur Photoshop, puis accumulent sur des paysages stéréo- typés, « comme les fonds d’écran Windows », imprimant l’ensemble sur du papier baryté. Admirateurs de l’imagerie pop art, de l’ironie d’un John Baldessari ou d’un Roy Lichtenstein, ils citent néanmoins plus volontiers Bruegel l’Ancien comme inspiration de leurs compositions. «Ce qui compte est d’obtenir un résultat ni trop bâclé ni trop virtuose, plausible mais imparfait, et que le tout recèle une immédiateté », résume Élise Mazac.
   Au fil des années, la série a gagné en ambiguïté. «Aujourd’hui, les photos sont faciles à trouver, observe Robert Drowilal. Pour une Lindsay Lohan qui ramasse la crotte de son chien, on peut avoir jusqu’à cinquante clichés, décomposant l’action, en haute définition.» Surtout, ces images quotidiennes ont changé de statut, tant les stars en jouent. Certains vont voir un match de basket, en M. Tout-le-Monde, «mais en achetant chèrement des places au premier rang, bien en face des caméras, s’amuse le couple. Des acteurs exposent aussi leurs muscles sur la plage lors de vraies fausses paparazzades, après des semaines de cure protéinée, espérant que les directeurs de casting verront qu’ils ont la carrure pour le prochain film d’action.» À cela s’ajoute la multiplication des placements de produits. Certains pistés peuvent, pour fuir l’objectif,se cacher opportunément derrière un sac Vuitton ou Chanel... Mutations qui proposent autant de lectures de leurs collages. Qui crée l’image ? Quelle est la part de spontanéité et de mise en scène dans ce que l’on voit ? Pourquoi ces scènes banales nous captivent-elles?
   En dix ans, personne n’a protesté, ni photographe ni vedette. Pas même Angelina Jolie, en visite, en 2014, chez Colette où certaines de leurs œuvres étaient exposées. Au sein de leur collage de stars promenant leur progéniture en poussette, l’actrice a pu voir, au centre, son mari d’alors, Brad Pitt, et deux de leurs enfants. «Elle a ri, apparemment...» Au milieu de ce flot de célébrités, les spectateurs attentifs noteront deux exceptions : les silhouettes d’Élise et de Robert, placées avec malice... Une sorte de jeu façon Où est Charlie ? tant l’ordinaire ressemble à l’ordinaire. Mazaccio et Drowilal, pas moins stars que les stars.

Valentin Perez,
Novembre 2021

   Tous aux abris ! Voilà les paparazzis. Planqués derrière leurs lunettes de soleil, cachés par leurs casquettes, chapkas, capuches ou parapluies, les «people» semblent s’être donné le mot pour éviter les téléobjectifs des sangsues de la photographie. Dans cette foule anonyme, une besace au monogramme Louis Vuitton, une serviette de plage Chanel (à moins que ce ne soit un poncho ?) et un vieux sac plastique font l’affaire pour se protéger de la soif voyeuriste. Mais ces looks d’Elephant Man ne trompent personne : derrière ces hommes et ces femmes invisibles, collés les uns aux autres par la magie de Photoshop, il y a peut-être Brad, Britney, Vanessa, Cameron, Bruce ou Jennifer, de la chair fraîche à objectifs et à commérages, des proies «bankable» pour la presse à scandale qui fait son beurre de la vie privée des stars.
   Œuvrant depuis 2006, déjà repérésà Arles en 2014, le duo d'artistes Mazaccio & Drowilal publie Paparazzi, un bidonnant petit livre rassemblant des collages de célébrités dont est issue cette composition en forme de fin du monde. Dans ces montages kitchs et glitchs, qui se jouent de l'esthétique internet et des mises en pages bas de gamme de la presse people, la force de Paparazzi est de repérer les us et coutumes des vedettes. Après tout, même sous le feu des projecteurs, ces personnes exposées mènent une vie à peu près normale : ils sortent leur chien, vont au supermarché, font des selfies, du surf, du golf, du jogging, du yoga... Souvent écolos convaincus,ils conduisent d'énorment cylindrés, réclament des camions-logestaille loft sur les tournages, et écument la planète en tournée promo à bord d'avions de ligne pour les plus mal lotis et de jet privés pour la catégorie premium.
   Naturellement, on les comprend, ce gotha, si célèbre et célèbré, se protège de l'intrusion des médias voyeurs... A moins qu'ils ne se protègent du brasier situé à l'arrière-plan comme le suggère l'image ? Il y a quelque chose de juste dans ce tableau apocalyptique. En téléscopant deux réalités qui n'ont apparemment rien à voir, celle des people persécutés et celle des feux de forêts qui ravagent la Californie chaque été, Elise Mzac aka Mazaccio, et Robert Drowilal suggèrent visuellement ce que démontre à quelques jours de l'ouverture de la COP26 à Glasgow, une étude récente du World Inequality Lab : la quantité de CO2 émise est étroitement liée au niveau de revenu des habitants et les individus les plus aisés polluent plus que les plus pauvres. Comme des animaux pris au piège des flammes, ces célébrités, cernées par leurs contradictions, sont le reflet de nos échecs à changer nos comportements. Personne ne veut voir la réalité en face.

Clémentine Mercier,
Octobre 2021

The artwork of Mazaccio & Drowilal takes internet fodder as its fuel, and in the process asks us to look twice. Whether it’s IRL still lifes of desktop icons, dogs staring wistfully into sunsets, or celebrity snapshots defaced with paint and tape, the duo’s subject matter is universally familiar to anyone who’s found themselves in a thumb scroll wormhole, and that’s exactly the point. “We aim to deal with the issue of image abundance that is generating our vision of the world,” explains Robert Drowilal, one half of the studio with Elise. “We try to analyse attraction processes and explore how cultural industries create dreams and identities by using entertainment and the art of storytelling.”
   Aptly, Robert describes both their upbringings in the 90s as fairly internet obsessed. They were both born in the late 80s in the rural south of France countryside, which Drowilal describes as “cultural deserts… there were no museums, the theatre only played three movies… we were starving for cultural content”. So when home internet access arrived in the mid 90s, “it was insane,” he recounts of an era spent downloading every movie, game, record and comic he could manage. “It was a bit brainwashing, because I was on a drip of American soft power”. Now, his and Elise’s work is an “enterprise of deconstruction” of those influences, he says.
   The two met in 2006 and began collaborating in 2009 in Paris, sharing an interest for art and photo books, and hence starting out with the vision of combining and editing their own photographs, forgoing individual authorship. This soon expanded to using images taken by others. “In this sense, our medium became not so much photography as the image itself,” says Robert. They published several books before being invited to exhibit their collaborative artworks, and have since practiced as a partnership.
   Collage seemed “obvious” as a cooperative format, and has become the cornerstone of Mazaccio & Drowilal’s output. The past decade has seen several collage series including Paparazzi, showing cut-outs of celebrities doing the same activity, for example taking a selfie; Vanitas, still lifes made of desktop icons, The Dog’s Best Friend, showing dogs gazing at sunsets, and Ninny, nudist on paper towels, engaged in mundane activities. By collecting and combining these images, a new interplay emerges between, and they suddenly seem all the more ludicrous.
   The duo’s most recent series is a set of diptyphs titled Iconography, which combines found imagery that you might not expect to see paired, but has a distinct similarity, paying special attention to “thematics of the male gaze, eroticism, L.O.L, icons, celebrities and child actors, and to the theme of the double (twins, wax double, persona, public, avatar).”
   Many show celebrities, for example the Williams sisters, Ronaldo and his waxwork counterpart, Tobey Maguire and Leonardo Di Caprio as child stars bowling together, or Arnold Schwarzenegger and Sylvester Stallone side-by-side in hospital beds. These are mirrored by all types of imagery, spanning classic and contemporary artwork, fashion and advertising shots, cartoons, political imagery, stock imagery, internet memes and video game screenshots, to comedic and provocative effect. The process of finding and pairing the images has taken a number of years, from browsing and searching, to printing them out “to take them away from their original context,” then trying to find pairs and “collisions”. The curated diptychs are printed on a single, one-metre-high sheet, stapled onto wood, wrapped in plastic film and “enhanced” irreverently with spray paint and Mazaccio & Drowilal branded tape.
   “For us the gesture of packaging induces a parallel between circulation of goods and circulation of images in our globalised era,” explains Robert. “The use of this kind of tape is also blurring the difference between artist's signature and corporate identity. For a while we’ve wanted to emancipate from the framing standards and convention in photography because it's too expensive and heavy... and boring.
   So for us it's a shift from image-making to picture-making, and the objecthood (materiality) is underlining the tension that can exist between the flatness of the image and the physicality of its display.
“At the same time, it is questioning images and our relationship to them – How do images circulate across media? How do they affect us emotionally and intellectually? How do they acquire meaning and power? And how they communicate as signs and symbols?”
Mazaccio & Drowilal recently had a solo show, Par amour du goût, at Les Ateliers Vortex, Dijon, France, and are currently involved in group show Skɪz(ə)m at Plato in Ostrava, Czech Republic, until 30 August. The duo is also currently working on a new edition of its Paparazzi book with RVB Books, featuring unreleased collages and more “surprises,” due out later this year.

Bel Air

Quelques individus,
occupant la pelouse où défèquent leurs chiens,
observent en riant l’éconduction du rien.
La chaleur diminue.

Une star peu vêtue,
circule en titubant dans les rues de Bel Air,
passe chez Taco Bell puis s’achète des bières.
Finit en garde-­‐à-­‐vue.

Un ciel acidulé où s’écrase l’image
projetée sur l’écran du cinéma drive-­‐in.
Nicole Kidman multiplie son visage
sur les capots lustrés des Break et des Berline.

Sur le parking, la lune presse sa craie blanche,
éclaire les volutes bleues d’un graffiti.
Quelques sacs plastiques dans l’ombre se retranchent
et s’emberlifiquotent dans les roues d’un caddie.



Marcel Devillers,
Mars 2020

   This project began when we called into question our daily working tools. How these softwares, apps and digital interfaces are shaping the way we percieve things, but also the kind of artworks we produce?
   In 2014, after getting a grant from the cultural services of the US Embassy in Paris, we travelled to Silicon Valley in California. That now mythic area, stretching from San Francisco to San Jose, is the home to many of the world’s largest high-tech corporations. It has developed since the mid-XX century around the Standford University, at the cross between military industry and hippie counterculture.
   Out of step with the traditionnal ‘documentary style', we approached to this territory through multiples mediums such as collage, installation and book. The differents parts of this ensemble raise questions about digital interfaces, about the depressing vogue of having fun at work, about the region’s intense culture of sport and performance, but also about the Internet linguistic metaphors.
   When we returned, we start working on a still-life series titled Vanitas (2014-2018). These collages refer directly to vanitas: this category of symbolic still life paintings from the 16th and 17th centuries in Flanders and the Netherlands. This style is here revisited – ‘updated’ in a way – in the age of connected devices, uninterrupted flows of information and constant data archiving. Made from work environments clichés, these images have been augmented with 3D desktop icons, emojis and notifications.
   In the Sequence (2015) installation we displayed a frieze of portrait-style photographs, taken in the field in startup companies with tech peoples, but also on iconic spots of computing history like the Hewlett-Packard and Apple garages. All the pictures were then captionned with emoji. This reduction is next-level handholding for the novice viewer, but also refers to Victor Burgin and Joseph Kosuth’s tautological experiments. It delves deep into photography and our perception of it. The frieze of snapshots create an immersive, saturated environment, underlining how difficult is it to get some distance from those ubiquitous technologies.
   Artist book The Happiness Project’s layout (2018) is inspired by this setup : a long sequence of photographs all taken in Silicon Valley, interrupted by some glossy inserts with the vanitas series. Some of the photographs are cut by the passsage from a page to another to evoke the kind of visual experience that you have while scrolling through infinite feeds of images. The two superimposed kind of images (photographs et collages) cast doubt on what we’re looking at and challenge the viewer.
   With The Happiness Project, we tried to register something about merging and dehierarchization of differents forms of representation that we experiment everday on screens ; but also to push the boundaries of our understanding of what a photographic image is.

Robert Drowilal
June 2018

   Jérôme Dupeyrat : Vous avez réalisé une vingtaine de publications depuis 2008, certaines en solo, d’autres en duo. Dans quel contexte avez-vous commencé à faire des livres ?
Robert Drowilal : Au départ, cela répondait notamment à une contrainte économique. Durant nos études, nous faisions principalement de la photographie, mais la photo est vraiment un art coûteux à produire. Faire des livres nous permettait d’avoir à moindre coût un objet fini, dont nous maîtrisions la chaine de production. J’étais par ailleurs passionné par l’art conceptuel, et je voyais qu’il y avait une véritable adéquation avec le livre.
   J.D. : Est-ce que la perspective de la diffusion vous intéressait ? Élise Mazac, alias Mazaccio : Oui, ça nous intéressait, mais tant que nous étions étudiants, cela restait à une échelle très réduite. Lors d’un échange aux États-Unis, on avait mis en dépôt trois livres à Printed Matter ceci dit. En plus des contraintes économiques, le livre nous a aussi offert un cadre lorsqu’on a commencé à travailler ensemble : un livre a un début, une fin, cela donne une méthode, un protocole pour travailler.
   J.D. : Vous avez commencé à travailler ensemble en faisant des livres donc.
   R.D. : Oui, des livres de photo. Le premier que l’on a fait ensemble est One Day will Come. Ensuite il y a eu Phone Call.. Ce sont des montages d’images que l’on a faits à partir de photographies que nous avions déjà réalisées. Phone Call 2. est le premier livre pour lequel on a pris des photos spécialement.
   J.D. : Vous parliez de votre intérêt pour l’art conceptuel ; aviez-vous une connaissance de l’histoire du livre d’artiste ?
   E.M. : Oui, et ça nous intéressait beaucoup : Robert Barry, Douglas Huebler, John Baldessari, les collectionneurs comme Hans-Peter Feldman aussi, ou parmi les artistes plus récents, Claude Closky. La lecture d’Esthétique du livre d’artiste, d’Anne Moeglin-Delcroix, nous avait permis de découvrir l’histoire de cette pratique.
   R.D. : En parallèle nous nous intéressions aussi au livre de photographie, en particulier à ceux des photographes japonais : Masahisa Fukase, Daiddo Moryama, etc.
   E.M. : Lorsque nous étions étudiants nous étions très intéressés par les collections d’images, les typologies, les protocoles. Notre travail était souvent basé sur cela. Plus récemment nous sommes revenus à des écritures photographiques plus personnelles, et à une pratique de collage et de montage plutôt que de classement ou d’inventaire.
   J.D. : Votre travail est constitué d’images qui appartiennent soit à la pop culture soit à la culture populaire, si l’on fait une distinction entre les deux. S’y côtoient la presse people, le cinéma américain, le Musée Grévin, et tout ce que l’on pourrait appeler un peu généralement la « culture web ». Quelles sont les images qui vous intéressent ?
   E.M. : On est toujours étonné quand on nous parle de la culture pop. C’est la culture tout court. Nous utilisons simplement des images largement diffusées, à un tel point que nous sommes obligés de leur accorder notre attention. Nous réagissons aux images qui s’imposent à nous.
   R.D. : Dans Champagne. par exemple, il y a une question d’identification, un phénomène à la fois de rejet et d’adhésion. C’est un livre qui présente deux collections d’images en vis-à-vis : des pilotes de Formule 1 qui célèbrent leur victoire en s’aspergeant de champagne ou en aspergeant les autres de champagne, et des miss qui reçoivent leur couronne, souvent en pleurant sous le coup de l’émotion, mais qui hésitent à se toucher le visage à cause de leur maquillage. Je pense que ces images nous sautaient au visage justement. Elles nous semblaient à la fois amusantes et dégoûtantes. Pour les montrer dans ce livre, nous avons enlevé ce qui pouvait empêcher de les percevoir de la même façon que nous. Nous les avons ainsi passées en noir et blanc, recadrées, parfois retouchées.
   J.D. : Vous parliez d’identification. Doit-on vous voir derrières ces pilotes et ces miss ?
   R.D. : Ça pourrait être n’importe quelle femme, n’importe quel homme, c’est à propos des archétypes. Détourner des archétypes est une pratique qui a une longue histoire, depuis Dada sûrement, puis les situationnistes, mais internet a très largement favorisé cette démarche.
   E.M. : Et sur le web les images sont un langage à part entière. Les gens parlent avec des images. Je pense à Museum of Internet. par exemple, c’est un site qui recense des images du web, souvent très drôles, que les gens commentent avec d’autres images. Les Emoji, les gifs, se substituent aussi au langage courant.
   J.D. : J’ai l’impression que votre pratique du détournement, de l’appropriation et du collage, est autant liée à ces usages liés au web qu’à l’histoire de l’art moderne et contemporain ; que vous essayez en quelque sorte d’être dans la position de l’amateur ou de l’internaute lambda autant que dans une filiation avec les artistes.
   R.D. : Je pense que l’on est vraiment dans un entre-deux, parfois en mimant les amateurs de façons savante, mais sans chercher à s’approprier l’art ou les pratiques amateurs de façon trop codée ou référentielle.
   J.D. : Paparazzi me semble relever de la même ambivalence que Champagne, entre fascination et rejet vis-à-vis des images utilisées.
   E.M. : Pour nous il s’agit toujours d’images qui, au premier abord, nous agressent, mais qui sont tellement diffusées et utilisées que nous finissons par entrer dedans. Pour Paparazzis le travail est parti d’une incompréhension en constatant que dans énormément de photos people, les personnes tenaient des gobelets Starbucks. C’était avant que la firme ne multiplie ses cafés en France. Je trouvais cela vraiment absurde, et en cherchant à comprendre, je me suis rendue compte à quel point les peoples photographiés avaient toujours les mêmes panoplies et les mêmes activités.
   R.D. : Ce qui est étonnant c’est de voir l’influence de ces images sur nos comportements quotidiens. Il y a un vrai mimétisme, inconscient.
   E.M. : Oui, ces images diffusent des modèles de vie. Elles ont un pouvoir énorme, c’est pour cela qu’on a envie de les décortiquer, en les faisant un peu disjoncter j’espère.
   J.D. : Le livre semble en tous cas vous offrir des moyens d’accentuer et de perturber la nature de ces images : je pense à l’accumulation des collages dans Paparazzis, ou au jeu des doubles pages dans Champagne, où il s’instaure une relation un peu salace entre les pilotes en train de faire gicler leur champagne et les miss qui semblent les regarder de façon émues. Je suppose que c’était parfaitement intentionnel.
   R.D. : Oui, l’idée était de faire un livre presque pornographique, mais avec des images qui passent sur TF1 à 20h50 ou le dimanche après-midi. Maintenant la Formule 1 est diffusé sur Canal + d’ailleurs, qui est aussi la chaine historique du porno télévisé, donc la boucle est bouclée…
   E.M. : Nous parlions tout à l’heure de culture populaire, en fait il s’agit plus précisément de culture médiatique. Culture internet ou culture web, de même, est sûrement trop vague.
   J.D. : Pensez-vous qu’il y a une iconographie qui est propre à internet, ou est-ce qu’internet change seulement l’usage que l’on fait des images.
   R.D. : Il y a des images que l’on voit sur le web et que l’on n’aurait jamais vu à la télévision. Le web a aussi favorisé la généralisation des outils numériques pour produire et retoucher les images. D’ailleurs lorsqu’internet s’est démocratisé dans les foyers, beaucoup ont prétendu que tous les utilisateurs allaient devenir producteurs de contenus. Mais au final, j’ai l’impression que c’est toujours les plus grosses agences de communication qui émettent les messages. D'ailleurs YouTube a supprimé son slogan .Broadcast Yourself en 2012.
   J.D. : Vous appartenez à une génération d’artistes qui semble souvent plus intéressée par la remédiation et la rematérialisation des contenus venant du web que par l’utilisation d’internet comme outil de production et espace de diffusion. Est-ce vrai dans votre cas ?
   R.D. : Il est vrai qu’une grosse partie de notre travail consiste à passer du web à des objets physiques. À l’ère numérique, les images n’ont plus de taille fixe, c’est pourquoi paradoxalement il est impossible de ne pas penser à leur matérialité, car dès lors qu’on veut les exposer tout est susceptible de faire sens : l’accrochage, le contexte etc.
   E.M. : Aujourd'hui, la division hermétique entre virtuel et réel nous paraît vraiment obsolète. La production de représentations pour internet est complémentaire de la pratique d'atelier, d'exposition et d'édition.
   J.D. : Lorsqu’une image est déplacée à partir d’internet, cela implique en effet de penser son nouveau contexte matériel. Mais cela induit-il aussi une forme de distance par rapport à l'image dématérialisée telle qu'on la consomme sur le web ? Ou pour le dire autrement, la rematérialisation des images implique-t-elle une critique (dans tous les sens du terme) de leur dématérialisation ?
   R.D. : Tout d’abord, rematérialiser les images permet de les sortir du flux. On ne peut pas zapper face à une sculpture photographique. Donc en effet le rapport à l’image se modifie, mais – même si nous sommes très sceptiques envers la collecte généralisée et systématique des données personnelles utilisées à des fins publicitaires ou électorales et la surveillance de masse – nous ne sommes pas technophobes.
   J.D. : Dans cette optique d’une rematérialisation de l’image numérique, en quoi l’imprimé vous intéresse-t-il particulièrement ?
   E.M. et R.D. : Pouvoir toucher l’objet, l’avoir avec soi, contrôler le rythme de la consultation lorsqu’il s’agit d’un livre, tout cela n'est pas très original mais ça reste important. Lorsqu’on commence un nouveau travail, on pense toujours d’abord à faire un livre. Ces derniers temps, nous en avons fait moins pourtant.
   J.D. : Donc vous y pensez mais le projet n’en devient pas forcément un. Est-ce que cela ne tient pas en partie au fait qu’on vous offre plus souvent la possibilité de faire des expositions ?
   R.D. : Je pense que c’est une des raisons, oui.
   J.D. : Est-ce que certains de vos projets se dédoublent : une version éditée, une version exposée ?
   R.D. : Il y a Wild Style, mais ce n'est pas un livre d’artiste, c'est un catalogue. Champagne existe aussi sous la forme de sérigraphies rehaussées, que je vois comme un produit dérivé du livre en réalité.
   E.M. : Les deux m'intéressent tout autant – livre et exposition –, et je pense que notre travail va se poursuivre dans cet aller-retour. Comme on le disait, on imagine souvent nos projets sous la forme de livres lorsqu’on les débute. Tous ne deviennent pas des livres, mais la plupart sont initiés en pensant à la possibilité d’un livre. C’est une manière de penser en fait, avec l’idée de séquence, de début, de fin.
   J.D. : Cette attention à la séquence des images et des pages est un aspect manifeste dans plusieurs de vos projets, tel que Walking Toward Odaiba Island. par exemple.
   R.D. : Ce livre-là est vraiment dans l’héritage des livres à protocoles, tels ceux de Douglas Huebler. Le protocole consistait ici à se rapprocher d’une île artificielle à Tokyo, qui est reliée à la ville par un pont et sur laquelle se trouve notamment le siège de Fuji, en empruntant ce pont à pied et en augmentant l’exposition des photographies plus je m’approchais de l’île, de sorte à arriver à une photo quasiment blanche.
   J.D. : C’est un bon exemple de la capacité du codex à faire correspondre une séquence spatio-temporelle avec la continuité des pages. D’autres livres exploitent la possibilité de mettre en relation des images dans le vis-à-vis des doubles-pages, tel Gotham., ou dans la succession des rectos-versos, comme Twins..
   R.D. : Twins. a été inspiré par un livre de Sol LeWitt composé avec des papiers noirs déchirés. Il présente des photos d’inaugurations de statues au musée Grévin, où l’on voit une célébrité qui pose à côté de la statue de cire qui la représente, souvent habillée de la même façon. J’ai imprimé toutes ces photos que j’avais collectionnées, puis je les ai déchirées, comme on pourrait le faire d’une photo de couple après une séparation. C’est une image cinématographique assez forte je trouve. Les fragments apparaissent au recto et au verso d’une même page. En feuilletant le livre, on voit ainsi se succéder ce que l’on pourrait prendre pour des jumeaux, avant de comprendre ce dont il s’agit vraiment, car les têtes des répliques en cire ont souvent une expression étrange.
   E.M. : J’ai réalisé Gotham. lors d’un séjour d’étude à New York. Il fallait faire une série d’images pour un cours, j’ai décidé de faire un bouquin dans lequel les images s’enchaînent par associations d’idées, avec des rapports de cause à effet entre les pages qui sont en vis-à-vis : un pistolet et une tache rouge, un cornichon et une trace de morsure sur un doigt, etc. Au fur et à mesure, on a l’impression de se déplacer sur un territoire.
   J.D. : Cette attention à la séquence spatio-temporelle des pages permet de suggérer des sortes de fiction, ou du moins de récit, de narration en images. Je pense à Historical Events par exemple.
   R.D. : Historical Events est un livre qui parle d’Histoire et de la façon dont elle est réécrite au cinéma, à partir de captures d’écran de films que j’ai regardés. C’est la multiplication des biopics qui m’a conduit à m’interroger sur cela. Par exemple, sur une page, il est écrit sur une capture d’écran : « 1860, mer de Chine ». Sur une autre : « 11 septembre 2001 ». Le montage du livre est fait de telle sorte que l’on se déplace du passé vers le futur, jusqu’en 2052, l’événement le plus proche de notre présent se déplaçant selon le moment auquel le livre est lu. J’aime bien la façon dont le temps se dilate ou se rétrécit à travers la régularité des pages : on peut passer 120 ans d’une page à l’autre, puis quelques minutes seulement entre deux autres pages. Par ailleurs il y a des films des années 1970 qui parlent de notre présent, et d’autres où c’est l’inverse. Le livre joue avec tout cela.
   J.D. : Vous avez auto-édité un bon nombre de vos livres, et d’autres ont été publiés par des éditeurs. Quelles différences voyez-vous ?
   R.D. : C’est souvent plus cadré avec les éditeurs, parfois un peu frustrant même. Wild Style est un catalogue, et l'artiste n'a pas autorité sur tout dans ce type d’ouvrages. On est intervenu sur certains paramètres (la grille, le papier), mais il s’inscrit dans une collection et il fallait donc respecter un cahier des charges. Il y a surtout une la séquence d’images qu’on peut considérer comme une contribution d’artiste. Pour Champagne, avec RVB Books, le livre s’est simplifié au fur et à mesure. Il est au final un peu plus chic que ce que nous avions en tête au départ – moi j'aime bien,parfois, que ça ne soit pas chic – mais c’est un éditeur consciencieux, qui fait du bon travail jusque dans la diffusion.
   J.D. : Continuez-vous à auto-éditer ?
   E.M. : Nous allons bientôt éditer un calendrier, mais c’est surtout lorsqu’on était étudiants qu’on a réalisé le plus de publications. On faisait ça pour le plaisir, je ne sais pas si on arriverait à faire des choses d'une manière aussi légère maintenant.
   J.D. : J’aime bien l’idée qu’un livre puisse être, parfois, un objet spontané, sans trop d’enjeu ou d’incidence, sans recherche d’excellence ou fantasme du chef-d’oeuvre du moins. Mais j'ai discuté il y a peu avec Marc-Camille Chaimowicz qui disait au contraire que pour lui ce sont les livres qui ont le plus d’enjeux, parce les gens oublient les expositions, surtout si elles sont mauvaises, alors que les livres restent et doivent être pour cette raison d’une tenue irréprochable. Il y a deux conceptions de l’édition d’artiste en fait : l’une tournée vers l’inscription d’un travail dans la durée, et l’autre relevant plus de l’esprit fanzine. En tous cas vous n’êtes pas les seuls artistes ayant eu une production éditoriale foisonnante durant leurs études, puis à la fois plus ponctuelle et plus complexe en terme de production par la suite. Ce qui est intéressant, comme vous le disiez précédemment, c’est que même si vous faites moins de livres dans les faits, vous pensez souvent votre travail avec cet horizon. Sans qu’il s’agisse de livres, est-ce que vous avez déjà eu l'occasion de publier des contributions dans des revues ou des journaux ?
   R.D. : On l’a fait il n’y a pas longtemps pour Ordinary Magazine. Pour chaque numéro, une vingtaine de photographes sont invités à proposer une image à partir d’un objet ordinaire. La commande impose l’objet et le format de l’image, en double-page, mais chaque artiste propose ensuite la photographie qu’il veut. Le premier numéro était sur la vaisselle en plastique, on a été invité pour le second sur l’éponge-grattoir, et le troisième sera sur le coton-tige. On a fait deux éponges à la plage avec un décor en sopalin.
   J.D. : Considérez-vous votre site internet et vos comptes sociaux comme des espaces éditoriaux ?
   R.D. : Oui pour notre site, Instagram aussi, twitter un peu, facebook pas du tout. Mais c’est vrai surtout pour le Tumblr d’Élise : Daily Mazaccio.
   E.M. : Les réseaux sociaux nous intéressent mais on y consacre peu de temps en réalité. Sur le Daily Mazaccio, ce sont des images que je mets de côté, des choses qui m’interpellent, et que je publie en faisant en sorte que chaque nouvelle image résonne avec la précédente. Mais j’en publie très peu, ce n’est pas du tout quotidien.
   J.D. : Pourrait-on parler de Profession : artiste?
   R.D. : C’est une série de livres en cours, qui fait suite à la découverte d’un manuel expliquant comment devenir artiste. Est-ce qu’artiste est une vocation, un métier, une profession dans une société néo-libérale ? Ces livres explorent cette dialectique entre condition et profession, en se jouant des clichés sur l’artiste, vu à la fois comme oisif et inspiré, tout cela dans un monde ultra compétitif. C’est une démarche assez saine de notre part en fait, consistant à réfléchir avec dérision à notre statut.
   J.D. : De ce point de vue je pense aussi à vos cartes de visite, à votre lettre de recommandation de Daniel Buren, à Looking for my artist name, ou encore à l’article intitulé « Le Monde selon Mazaccio ». Est-ce que ce dernier, par exemple, est à considérer comme une édition d'artiste de votre point de vue ?
   E.M. : Oui. Pour expliquer le contexte, il s’agit de cinq entretiens et d’une série d’autoportraits mis en scène, publiés dans une édition qui a été réalisée dans le cadre d’un partenariat avec des étudiants de la Sorbonne lorsque j'étais aux Beaux-Arts de Paris. Il fallait faire des duos : un apprenti artiste / un apprenti critique. On a rencontré deux personnes qui travaillaient ensemble, comme nous, Nicolas Heimendinger et Fani Morieres, et on s’est très bien entendu. On a voulu court-circuiter la commande, cette demande un peu absurde qui conduit des artistes de 25 ans à parler comme s’ils avaient une longue carrière. L’humour, à travers les mises en scène photographiques et les textes stéréotypés à outrance, nous semblait être la seule façon de se prêter à cet exercice.
   J.D. : Il y a quelque chose d’assez caustique dans ces projets, d'autant que lorsqu’on voit les éléments isolément, cela peut prêter à malentendu. En voyant vos cartes de visite par exemple – je suppose que vous en changez sans arrêt – je me suis d’abord dit que vous ne vous preniez pas pour n’importe qui. Et c'est quand on en voit plusieurs qu’on comprend l'ironie. C'est la même chose avec vos images en fait : si on voit votre travail pour la première fois, on peut se dire qu'il y a là un rapport à la séduction qui est un peu douteux et puis rapidement, quand on regarde votre démarche dans son ensemble, on détecte l’ironie et la dimension critique.
   E.M. : Je pense qu’au premier abord notre travail est toujours abrupt. Quand ils reçoivent notre carte de visite, les gens sont rarement à l’aise. J’en avais fait une qu’on aurait pu prendre pour celle d’une masseuse thaï, sur laquelle il était écrit « Versatile artist » avec une typographie faite de femmes nues.
   J.D. : Vous avez également un travail de commande photographique et de direction artistique pour des magazines ou dans le champ de la publicité. Où est la frontière avec votre travail artistique ?
   R.D. : Oui, on a fait des images pour divers magazines, pour les affiches d’un théâtre, pour des couvertures d’albums de musique, ou encore des shootings de flacons de parfums. On reprend parfois des séries ou des logiques de collage qu’on a déjà amorcées...
   E.M. : Mais en vérité on ne sépare pas le travail de commande du reste. Nous créons des choses en continu, et lorsqu'on fait appel à nous, que ce soit pour un shooting commercial ou une exposition, nous adaptons nos « chantiers » du moment au canal de diffusion.

Jérôme Dupeyrat,
septembre 2016

   A watermelon, jaggedly cut open as if baring its fangs, sits on its side. The large fruit is stuffed with strawberries and displayed on a platter, surrounded by wedges of its own kind. Above the vibrant image is a line of three cartoonish symbols, known as Emojis: watermelon slice, strawberry, watermelon slice. The scene is the creation of Elise Mazac and Robert Drowilal, a young French photography duo known as Mazaccio & Drowilal. It may seem surface, even childish, but the piece—and the team’s work as a whole—really delves deep into photography and our perception of it.
   The colourful fruit image is part of Mazaccio & Drowilal’s latest exhibition, “Antépisode”, a French word meaning prequel. The collection of images, depicting palm trees and vibrant rubber balls, explores the beginnings and inner workings of the technological hub that is Silicon Valley. Through the use of colour—and pairing each image with its corresponding Emoji sequence—Mazaccio & Drowilal force their viewers to pause for a moment, to stop and examine what pattern of work creates a technological advancement (and, in some ways, a photograph). “This is the first time we’re exhibiting with Emojis,” says Drowilal. “It’s a kind of translation of each picture. Photography is a language, Emojis are a language.” Mazac echoes the thought, calling the symbols, which are commonly used in text messages to convey a feeling or action, “very effective”. Through this series, Mazaccio & Drowilal work to remind viewers that photographs are art, to be sure, but they are also objects. The duo’s depiction of scenes and items is intended to poke fun at photography as much as heighten the value of it.
   The duo’s depiction of scenes and items is intended to poke fun at photography as much as heighten the value of it.
To create “Antépisode”, which premiered at 2015’s Paris Photo Los Angeles, Mazaccio & Drowilal began digging into photographic media including Tumblr, Photoshop, and Instagram. “We really wanted to know about the ideologies behind these technologies—who is creating the software and apps, and in what context?” says Drowilal. They travelled to California to gather information, visiting the offices of tech companies and other famous places such as Steve Jobs’s garage and Stanford University, and photographing characteristically West Coast moments. Mazaccio & Drowilal were drawn to the North American, and particularly the Californian, way of life. “It seems the relationship to their work is not the same as in France,” says Drowilal. “There is an idea for having fun at work, which is totally different than in our country.” Mazac agrees: “It was a scene that interests us. It interests us in terms of being a society of fun, as well as a society of individualism and personal development.” Drowilal lets a smile creep across his face, adding, “As artists, we have fun at work.” This is the way the duo operates in photography and in life, feeding off of each other and easily continuing the other person’s thought, but never speaking over one another or fighting for attention. They met in 2006 and quickly bonded over their love of contemporary pop culture and conceptual art, becoming a couple in their personal lives as well as photography. This romantic connection, evidently, only makes their work partnership stronger. “It is fun and a lot of communication. We discuss a lot,” says Mazac. “We are together for every step.” They both conceptualize, they both photograph, they both edit; neither one takes ownership over a given photograph or idea, instead choosing to see every notion, every ounce of creative output, as a joint venture.
   Also on display at Paris Photo Los Angeles was the duo’s other major exhibition, the cheeky “Wild Style”, which they worked on during a three-month residency, sponsored by BMW, at the musée Nicéphore Niépce in 2013. “Wild Style” explores kitsch, intentionally going over the top with tackiness and colour. It centres on animals, and in particular, the way that humans view them, often projecting their own feelings and thoughts onto their pets. Included is a shaggy black dog looking out onto a sunset, a pair of cats being held by unidentified humans dressed in wolf T-shirts, and a tiger, paws crossed as if mid-dance, against a bright blue sky. Like much of Mazaccio & Drowilal’s work, some of the pieces are not entirely what they seem: the dogs, for instance, were actually photographed in a studio and then collaged onto the sunsets. We may think that a dog is looking thoughtfully at a beautiful sky, as if in reflection, but is that actually what the animal sees and feels? “Wild Style” forces us to check our own perceptions.
   Mazaccio & Drowilal work to remind viewers that photographs are art, but they are also objects.
   The exhibition is as playful and humorous as it is thought-provoking, a product of the duo’s lack of artistic boundaries during the residency. “We were totally free,” Drowilal says, which allowed them to truly explore their work and hone their creative direction—a sort of coming-of-age. “Before the residency program we were totally unknown,” says Mazac. “Because we are so young.” Mazac is 27 and Drowilal is 29, relatively elementary in the world of art: “We’re baby artists,” jokes Drowilal. Ripe, sure, but also mature, thoughtful, and well on their way to fully blossomed careers. And their youth actually works largely in their favour; their connection to the digital world and ability to decipher what is relevant aids them in their depiction of the modern, the on-trend. In today’s image-driven world, there is always more to see. And between Instagram, Twitter, Snapchat, Tumblr, and Facebook, the landscape of photography is growing and morphing at a rapid pace. “I think it’s changing with the Internet,” says Drowilal. “The fact that so many images are on the Internet, it’s very stimulating.” Some might find the inundation of photographs to be an uninvited blizzard of over-saturation, but not Mazaccio & Drowilal. “Most of our inspiration comes from this tsunami of photographs,” Drowilal explains. It’s not overwhelming for them—rather, it’s just fuel for their quirky, bright fire.

Sara Harowitz
October 2015

   On prend l'expo par la fin, ou par le haut du cloître, en l'occurrence. Du plus ancien au plus récent, afin d'essayer de comprendre quelque chose au kitsch de Mazaccio & Drowilal, dont on aperçoit la perversité, mais qu'on peine à caractériser.
   A l'étage supérieur, donc, la série «Nunuche » (2014), du papier essuie-tout à décoration inepte (bonhommes de neige, chameaux et palmiers, coquillages et crustacés) photographies et reproduits en géant, sur lesquels les artistes ont incrusté des images de nudistes à gros culs; nudistes-jardiniers, nudis tés-randonneurs, nudistes-bikers. Mauvais goût absolu, courtcircuit du sens : essuie tout + cul = merde, on en voit d'ailleurs une au fond de la salle, en train de sortir d'un éléphant. Autres séries: «Ça gicle» (2013), entre champagne et éjac faciale ; et «Paparazzis » (2014), découpages et collages thématiques de revues people : les stars font des doigts, les stars vont à la plage, les stars font de la moto, etc.
   Chasses d'eau. On pourrait dire, comme le fait Elise Mazac, a.k.a. Mazaccio (une grosse Mazac, en quelque sorte, et un jeu de mot avec le peintre de la chapelle Brancacci), que «fa merde est bien là. Et le spec tateur a le nez dedans». Mais la forme de cette déclaration et du livre où elle apparaît (Le Monde selon Mazaccio, 2013) invite à la prendre au quarante-douzième degré. De fait, toujours au même etage, la série «le Déclencheur» (2012) se joue des degrés, visuellement, cette fois. On y montre un doigt qui appuie sur différents objets, des boutons de chasses d'eau, de spray ou un élastique de bikini. Parfois, il semble que le doigt appuie sur un objet de même niveau de réalité que lui (un briquet, par exemple) et d'autres fois, qu'il est posé sur une photo (une paire de fesses apparaissant sur un écran d'ordinateur). Dans une des images, l'indécision du montage entre le réel et la fiction est à son comble, avec un doigt en appui sur une lime à ongles qui semble râper un monticule de coke. Commentaire dè Robert Drowilal: «Etant donne qu'être artiste semble une condition plutôt qu'un métier, nous avons fait un reportage sur l'index droit de Mazaccio (celui qu'elle utilise pour photographier). R est observé dans sa vie quotidienne, et toutes ses actions, y compris les plus innocentes comme tirer la chasse, sont réifiées. »
   Poubelles à fleurs. Mazaccio et Drowilal se sont rencontres en 2006, ils sévissent depuis ensemble et séparément. Question trash, on leur trouve un petit côté Ryan Trecartin et Lizzie Fitch français. Dans la salle du bas, c'est «Wild Style» (2014), une série hilarante consacrée aux animaux, domestiques ou non. Déferlantes de toutous photographies devant des posters vacanciers, chats aux yeux rouges posant devant des images de chats, poubelles à fleurs jouxtant des savates à tête de lolcat. Où l'on comprend assez vite que ce dédoublement de la junk culture chalonesque n'est pas chez eux une tentative de sauver le kitsch par surexposition (comme chez le Japonais Takashi Murakami, par exemple) mais par une résistance interne. Regardez bien les animaux dans les photos de Mazaccio & Drowilal : ils cherchent à se tirer.

Eric Loret
Juillet 2014

   Mazaccio & Drowilal, armés d’épuisettes rudimentaires, ramènent à la surface de l’océan des images sympathiques, parfois malsaines. Ils prélèvent les restes les plus significatifs de ce tsunami qui nous submerge aujourd’hui. Ils n’ont même plus besoin de fabriquer des photographies. La société pourvoie à leur demande de représentation. Il suffit de se baisser pour ramasser ce qui fait la joie d’une génération : collection de chiens, naturistes enjoués, stars, …
   Et lorsqu’ils décident de fabriquer eux mêmes leurs images, ils pratiquent encore l’art du collage. Non plus au sens du photomontage mais grâce à la prise de vue. Au cadrage, ils collectent des objets, des figures, tout un bestiaire du sauvage issu de notre société de consommation. Des histoires simples qui remettent en cause l’ordre établi des images et leur hiérarchie. (...)
   Ne nous trompons pas, ce regard ironique et tendre sur le monde, un mélange de Pierre Dac et de Duchamp, fait de Mazaccio & Drowilal les continuateurs d’une tradition française. L’esprit de Présence Panchounette ou BP flotte encore sur un art qui botte les fesses à la morosité.

François Cheval
Juillet 2014

   Tirant ses moyens de la photographie, du livre et d’internet, attaché en particulier au support papier, au collage et à la série, le travail de Mazaccio & Drowilal se comprend toutefois moins en termes de médium ou de technique que d’image. Loin d’une réévaluation de ce qu’on appelait autrefois « la culture populaire », le brassage et les détournements qu’ils opèrent entretiennent plutôt des parentés avec la notion de mème : le duo détourne et recombine des formes archétypales, des structures élémentaires, qui façonnent les mémoires, les identités et les représentations aussi bien individuelles que collectives.
   De ces pièces émane une familiarité certaine, au-delà même des habitudes que chacun peut entretenir avec une telle iconographie : complicité avec la dérision de l’artiste, impression de proximité avec cette disposition presque enfantine à la collection, émerveillement enfin devant des objets d’autant plus précieux que leur contenu est trivial ou commun.
   Entre ironie douce, provocation caustique et humour potache, il devient malaisé de distinguer la charge critique de l’affection que portent les artistes à ces images : c’est sans doute dans cette capacité à échapper à toute réification que réside la véritable puissance subversive de ce travail.
   Ni distanciées, ni complaisantes, ces oeuvres suscitent la jubilation par le plaisir ostensible que prennent Mazaccio & Drowilal à les concevoir, plongeant le spectateur dans un espace de jeu où les cartes sont sans cesse rebattues – et c’est bien pourquoi légèreté et gravité sont ici inséparables : « la plénitude de l’investissement dans le jeu caractérise une forme de bonheur […] qui s’apparente moins à l’explosion de joie ou au rire qu’à l’esprit de sérieux. »

Nicolas Heimendinger
Juin 2013

   Les œuvres photographiques d’Élise Mazac semblent hésiter entre deux pratiques plasticiennes opposées. Ce constat s’inscrit dans l’histoire récente de ce médium, éprouvé à la fin du XXe siècle par la conquête numérique. Les critiques d’art ne voient de salut que de la franche opposition de deux pratiques de la photographie. Paul Ardenne commente : « L’âge analogique est celui de l’empreinte ; l’âge numérique, celui de l’emprunt - deux cultures que tout oppose. »1. Cette sentence ne contrarie pas le travail d’Élise Mazac qui puise son inspiration à toutes les sources de la photographie.
   « Par souscription à la culture du "sample", de l’échantillonnage, qui veut que l’artiste, pour ourler ses propres créations, puise en priorité dans le vaste réservoir des formes déjà créées »², Élise Mazac collecte patiemment des images familières, pour la plupart issues de la culture populaire. La série Rose & Jack donne à voir les silhouettes d’un homme et d’une femme, l’une bleue, l’autre rose. Les personnages sont cadrés en plan serré, ce qui ne révèle qu’une infime partie du décor. Il est malgré tout impossible de ne pas reconnaître la fameuse scène du film Titanic, lorsque le héros saisit sa partenaire par la taille à la proue du bateau. Les aplats de couleurs qui dessinent les silhouettes des personnages permettent à tout un chacun de prendre un instant la place du beau Léo et de rejouer ce grand classique devenu une image d’Épinal d’un romantisme tendrement surannée. Après avoir montré les acteurs à la scène, Élise Mazac s’intéresse aux célébrités à la ville. Les assemblages de la série Paparazzis mettent en scène une accumulation impressionnante et anormale de stars, dans des décors et des situations de la vie quotidienne. Dans « Au supermarché », le visiteur surprend des dizaines de personnalités du monde du spectacle en train de pousser leurs caddies sur un parking. D’autres compositions mettent en scène des célébrités « À vélo », « À la plage », ou promenant leur chien - « Et le chien » -. Ces images lisses d’un bonheur facile où chaque tâche du quotidien se pare de glamour évoquent l’histoire des Femmes de Stepford. Le célèbre roman de science-fiction, écrit en 1972 par Ira Levin, est adapté deux fois au cinéma : une première fois en 1975, puis une seconde en 2004. Dans cette dernière adaptation, Nicole Kidman incarne le rôle de Joanna Eberhart, une photographe qui vient d’emménager dans un riche lotissement du Connecticut. La jeune femme remarque rapidement l’étrange comportement de ses voisines qui agissent comme de véritables esclaves au service de maris paresseux et ingrats. Les femmes de Stepford - toujours tirées à quatre épingles - semblent effectuer leurs tâches domestiques avec un grand bonheur. Joanna Eberhart découvre finalement l’effroyable secret qui se cache derrière cette soumission irraisonnée et parvient à remettre en question ce monde des apparences. Les accumulations grotesques de photographies de célébrités, créées par Élise Mazac, révèlent l’absurdité du système médiatique actuel et font elles aussi sauter le vernis des conventions de représentation. Mais bien que l’esthétique des photographies de la jeune artiste évoque les images gentiment policées du film, elles se placent plus volontiers du côté de la joyeuse célébration de leur époque que de la critique sociopolitique. Benjamin Thorel relève l’ambivalence des démarches des artistes qui utilisent les images issus de la culture populaire : « Il n’y a chez eux ni mépris ni mise en accusation : bien au contraire, c’est la richesse même de cet imaginaire, ancré pour le meilleur comme pour le pire dans l’inconscient collectif, que ces artistes reconnaissent et s’emploient à tirer au clair »³. Cette forme de célébration de la culture populaire atteint son paroxysme avec la série Accrogym où des athlètes en justaucorps forment des rosaces psychédéliques. Le corps humain est également le motif principal de Nunuche . Élise Mazac a patiemment collectionné pendant des années des feuilles de sopalin. Elle ajoute sur le papier absorbant des photographies de nudistes qu’elle place en harmonie avec le décor de la feuille : les petits bonhommes profitent des joie de la baignade, admirent un paysage idyllique ou pratiquent des jeux de plein air. La nudité des personnages et la naïveté des paysages évoquent un bonheur simple et sans obstacle. L’esthétique tendrement kitch de ces images recomposées font appel au vocabulaire employé par les publicitaires pour « vendre du rêve ». Ce même principe est mis en scène par Élise Mazac dans le livre Ovnis. Des photographies de familles heureuses et épanouies - issues de catalogues publicitaires - envahissent les pages de l’ouvrage. Chaque image se voit parasitée par la présence d’un objet volant non identifié dans le ciel. Les personnages, totalement inconscients de cet élément perturbateur, continuent à afficher un bonheur sans faille qui, compte tenu de la situation, frise l’idiotie. Élise Mazac use et abuse des codes de la publicité et puisque « le sexe ça fait vendre », elle place au centre du livre un « poster » de streakers, ces exhibitionnistes qui apparaissent nus en public, surtout lors d’événements sportifs. Le détournement publicitaire est un langage souvent employé par les artistes contemporains et le « sex-poster » d’Élise Mazac s’inscrit tout à fait dans la démarche de Wim Delvoye. L’artiste belge, auteur de la célèbre machine à caca Cloaca, se sert de fausses publicités pour vendre à tout prix les déjections de sa machine infernale (animation vidéo, documents de témoignages de clients satisfaits, flyers,…). Chez Élise Mazac comme chez Wim Delvoye, ces parodies et détournements ne délivrent pas de message politique. Ils jouent avec humour et dérision avec les codes de la culture populaire. L’humour est également un des composants essentiels de la série des Babies. Élise Mazac a collectionné des représentations de Jésus, issues de peintures classiques. Elle se met en scène dans des photomontages où elle semble câliner tendrement ces poupons dont l’étrangeté interpelle le spectateur. La fusion totale du corps de « la mère » et de celui de l’enfant est perturbée par la différence fondamentale de traitement plastique des deux figures : tandis que les Jésus peints répondent à des codes de représentation anciens, les « mères » sont photographiées dans des tenues contemporaines. Élise Mazac édite ces photomontages en format Jésus.
   La pratique artistique d’Élise Mazac repose sur un principe de collection d’images. Les figures convoitées sont patiemment découpées/sauvegardées et viennent enrichir un vaste répertoire de formes. Ce principe de « collection » articule les photomontages et autres collages d’Élise Mazac avec son travail de photographe.

Marie Griffay
Juilet 2011